Cronología del arte renacentista

Cronología del arte renacentista

  • 1376 - 1455

    Vida del artista renacentista italiano Lorenzo Ghiberti.

  • 1377 - 1446

    Vida del arquitecto y escultor renacentista italiano Filippo Brunelleschi.

  • C. 1390-1441

    La vida del artista renacentista holandés Jan van Eyck.

  • 1397 - 1475

    Vida del artista renacentista italiano Paolo Uccello.

  • C. 1415

    El artista renacentista italiano Donatello completa su escultura de San Jorge para el Orsanmichele de Florencia.

  • 1420 - 1450

    El artista renacentista italiano Donatello esculpe su David de bronce en Florencia.

  • C. 1420-1492

    Vida del artista renacentista italiano Piero della Francesca.

  • 1425 - 1452

    El escultor renacentista italiano Lorenzo Ghiberti trabaja en su segundo juego de puertas, las 'Puertas del Paraíso', para el Baptisterio de la Catedral de Florencia.

  • C. 14.30 - 1516

    Vida del artista renacentista italiano Giovanni Bellini.

  • 1432

    El retablo de Gante lo completan los artistas renacentistas holandeses Jan van Eyck y Hubert van Eyck.

  • 1435

    El arquitecto renacentista italiano Leon Battista Alberti escribe su tratado De pictura (Sobre la pintura).

  • 1436

    El artista renacentista italiano Paolo Uccello completa su fresco ecuestre de Sir John Hawkwood.

  • 1446 - 1453

    El artista renacentista italiano Donatello crea sus paneles de bronce para el altar mayor de la Basílica de San Antonio de Padua.

  • C. 1450

    El escultor renacentista italiano Lorenzo Ghiberti escribe sus Comentarios, una mezcla de historia del arte y autobiografía.

  • C. 1450-1523

    Vida del artista renacentista italiano Pietro Perugino.

  • 1452 - 1465

    El artista renacentista italiano Piero della Francesca produce su ciclo de frescos sobre la Leyenda de la Cruz Verdadera para la iglesia de San Francesco, Arezzo.

  • C. 1453

    El artista renacentista italiano Donatello completa su estatua ecuestre de Erasmo da Narni, el Gattamelata ("gato de miel") en Padua.

  • C. 1455

    El artista renacentista italiano Piero della Francesca produce su tabla pintada La Flagelación de Cristo.

  • C. 1456

    El artista renacentista italiano Donatello esculpe su estatua de madera de una María Magdalena penitente.

  • 1464

    El arquitecto renacentista italiano Leon Battista Alberti escribe su tratado de escultura.

  • 1465 - 1474

    El artista renacentista italiano Andrea Mantegna trabaja en sus ciclos de frescos en el Palazzo Ducale de Mantua.

  • C. 1465

    El artista renacentista italiano Piero della Francesca produce su fresco La resurrección de Cristo.

  • C. 1470

    El artista renacentista italiano Piero della Francesca realiza su retrato del duque de Urbino, Federico da Montefeltro.

  • 1471 - 1528

    Vida del artista renacentista alemán Alberto Durero.

  • C. 1474

    El artista renacentista italiano Piero della Francesca escribe su tratado Sobre la perspectiva en la pintura.

  • 1475 - 1564

    Vida del artista renacentista italiano Miguel Ángel.

  • 1480 - 1484

    El artista renacentista italiano Sandro Botticelli produce su pintura El nacimiento de Venus.

  • C. 1480

    El artista renacentista italiano Giovanni Bellini completa su pintura Éxtasis de San Francisco.

  • C. 1482

    El artista renacentista italiano Sandro Botticelli produce su pintura Primavera.

  • C. 1487-1576

    Vida del artista renacentista italiano Tiziano.

  • 1490 - 1492

    El artista renacentista italiano Sandro Botticelli realiza su cuadro Lamentación sobre el Cristo muerto.

  • C. 1492

    Leonardo da Vinci completa su boceto del 'Hombre de Vitruvio'.

  • 1497 - 1500

    El artista renacentista italiano Miguel Ángel trabaja en su obra maestra la Piedad.

  • C. 1497-1543

    Vida del pintor renacentista alemán Hans Holbein el Joven.

  • C. 1498

    Leonardo da Vinci completa su mural 'La Última Cena' en la Sante Maria delle Grazie de Milán.

  • C. 1500

    El artista renacentista italiano Sandro Botticelli produce su pintura Natividad mística.

  • C. 1500

    El artista renacentista italiano Giovanni Bellini completa su retrato del dux Leonardo Loredan.

  • C. 1503 - c. 1506

    Leonardo da Vinci completa su pintura "Mona Lisa".

  • 1504

    El artista renacentista italiano Miguel Ángel completa su obra maestra la estatua de David.

  • C. 1504

    El artista renacentista italiano Rafael completa su Las bodas de la Virgen.

  • 1504

    El artista renacentista alemán Alberto Durero crea su grabado de Adán y Eva.

  • C. 1505

    El artista renacentista italiano Giovanni Bellini completa su retablo para la iglesia de San Zaccaria en Venecia.

  • 1507

    El artista renacentista italiano Rafael completa su pintura El entierro de Cristo (también conocido como La deposición).

  • 1508 - 1512

    El artista renacentista italiano Miguel Ángel trabaja en su pintura del techo de la Capilla Sixtina en Roma.

  • 1511

    El artista renacentista italiano Rafael completa sus frescos en la Stanze della Segnatura del Vaticano, que incluye La escuela de Atenas.

  • C. 1518-1594

    Vida del pintor renacentista italiano Tintoretto (Jacopo Robusti).

  • C. 1520

    El artista renacentista italiano Miguel Ángel completa su obra maestra de Moisés para la tumba del Papa Julio II.

  • C. 1525

    El pintor renacentista alemán Hans Holbein el Joven crea su serie de 41 grabados La Danza de la Muerte.

  • 1536

    El pintor renacentista alemán Hans Holbein el Joven se convierte en el pintor de la corte de Enrique VIII de Inglaterra.

  • 1545 - 1554

    El artista renacentista italiano Benvenuto Cellini trabaja en su escultura de bronce de Perseo y Medusa.

  • 1548

    El artista renacentista italiano Tintoretto produce su célebre pintura Milagro de San Marcos rescatando a un esclavo.

  • 1564 - 1481

    El artista renacentista italiano Tintoretto trabaja en su ciclo de pinturas para la Scuola Grande di San Rocco de Venecia.

  • C. 1570

    El artista renacentista italiano Tintoretto presenta su cuadro San Jorge y el Dragón.


Renacimiento al postimpresionismo

El Renacimiento temprano, centrado en la Italia de los siglos XIV al XV, fue un período de cambio dramático y total. Fue el renacimiento de profundas ideas intelectuales y valores clásicos del humanismo. Los textos antiguos griegos y latinos fueron redescubiertos y enseñados a estudiantes aspirantes. En este nuevo período en el que el humanismo comenzó a surgir, los artistas comenzaron a valorar más al ser humano en lugar de a los dioses y diosas. Los pintores imitaron el estilo de la pintura clásica, con énfasis en la simetría y la forma perfecta.

Artistas famosos y sus artes:
Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
& quotPuertas del Paraíso & quot (1450)

Donatello (1386-1466)
"David" (1440)

Fra Angelico (1395-1455)
& quotLa Anunciación & quot (1450)

Sandro Botticelli (1445-1510)
& quotLa Primavera & quot (1482)

Alto Renacimiento

El Alto Renacimiento, como el Renacimiento temprano, se centró en Italia. En este período de tiempo, se recuperaron el valor artístico y el estilo de las obras de la antigua Roma y Grecia. El conocimiento adquirido de esas antiguas obras de arte, así como las técnicas aprendidas en el Renacimiento temprano, florecieron en las obras del Alto Renacimiento. Las pinturas de este período muestran que los artistas usaron pintura al óleo, dominaron las habilidades de expresiones faciales muy intrincadas y el uso de diferentes tonos de color.

Los artistas durante el Alto Renacimiento eran extremadamente ambiciosos: su objetivo era aprovechar los conocimientos adquiridos por los artistas antiguos. Los artistas famosos de este período eran polifacéticos. Leonardo da Vinci, por ejemplo, fue un artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, filósofo y mucho más. Miguel Ángel también era muy talentoso, era pintor, escultor y un poeta muy talentoso. El conocimiento adquirido en esta era sigue siendo importante y significativo en la actualidad.

Artistas famosos y sus obras de arte:

Miguel Angel
"David" (1504)

Rafael
& quotMadonna del Parto & quot

Tiziano
& quot Asunción de la Virgen & quot (1518)

Giorgione
& quotLos tres filósofos & quot (1509)

Manierismo

El manierismo se usa para describir obras de arte de Italia, y el & quot; manierismo del norte & quot; se usa para describir las pinturas manieristas del norte de Europa. Las obras de arte creadas durante este período fueron drásticamente diferentes a las del Renacimiento. Fue otra era de cambios únicos.
El manierismo fue una época en la que los artistas pintaban con una distorsión demasiado elaborada, un posicionamiento extraño de los cuerpos humanos y espacios ambiguos. Se puede decir que esas pinturas fueron & quot; modales & quot;, con complejidad, y los significados profundos detrás de figuras que eran tanto naturales como imaginativas al mismo tiempo.

Artistas y sus obras de arte:
Anglo
& quot Una alegoría de Venus y Cupido & quot (1545)

Parmigianino
& quotMadonna dal Colla Lungo & quot (1535)

Miguel Angel
& quot El Juicio Final & quot (1541)

Giambologna
"La violación de las sabinas" (1582)

Benvenuto Cellini
& quotPerseo con la cabeza de Medusa & quot (1541)

Jacopo Pontormo
& quot; José en Egipto & quot (1518)

Bronzino
& quotRetrato de Bia de & # 39Medici & quot (1545)

Giuseppe Arcimboldo
& quotOtoño & quot (1573)

Arte barroco

En el año 1517, Martin Luther King envió sus "95 Tesis", que era un periódico que criticaba duramente a la iglesia católica por su codicia y abuso de poder. Martin Luther King pensó que estaba mal e injusto que la iglesia católica salvara a los humanos del pecado solo si eran leales y fieles; parecía que las buenas acciones no importaban en absoluto. En respuesta, la iglesia católica se dividió y los protestantes emergieron para defender las ideas de Martin Luther King.

Esta reforma religiosa influyó mucho en la cultura, la política y, lo que es más importante, el arte.
Este evento creó un período significativo en la historia del arte llamado "Arte Barroco", que se centró en Roma, pero finalmente se extendió a la mayor parte de Europa. El arte barroco fue muy diferente de las artes en el Renacimiento o durante el manierismo. Las pinturas suelen ser directas, obvias y dramáticas. Las artes también están muy cerca de la realidad: muchas personas pudieron conectarse con ellas. El uso del color también es un aspecto importante del arte barroco. Los artistas barrocos usaban colores muy dramáticos y amaban el contraste, como el blanco y negro, la luz y la oscuridad. Una diferencia importante con el arte renacentista es que el arte barroco tiene muchas figuras superpuestas, mientras que los artistas renacentistas pintaron figuras de la manera más realista posible.

Artistas famosos y las artes:
Giovanni Lorenzo Bernini
& quot; El éxtasis de santa Teresa & quot (1652)

Caravaggio
& quotLa Conversión en el camino a Damasco & quot (1601)

Peter Paul Rubens
& quot Los cuatro continentes & quot (1615)

Rembrandt Harmenszoon van Rijn
& quotDescenso de la Cruz & quot (1634)

Diego Valazquez
& quotLas Meninas & quot (1656)

Arte Rococó

Luis XIV fue el rey que gobernó Francia durante 72 años y 110 días. Su muerte en 1715 supuso un cambio de la monarquía a la aristocracia. En respuesta a este cambio de liderazgo, surgió este nuevo estilo de arte, el rococó. El arte rococó se centró en Francia y, en lugar de utilizar colores dramáticos, utilizó colores pastel suaves. Las pinturas y otras formas de arte en este período a menudo retratan la rica vida aristocrática. Los temas mitológicos eran a menudo una gran parte del arte, y muchos artistas transmitían ideas subyacentes como belleza, romance, alegría o quizás símbolos sexuales.

Obras de arte famosas:
Jean-Antoine Watteau
& quot El embarque para Cythera & quot (1717)

Francois Lemoyne
& quot Hércules y Omphale & quot (1724)

Jean-Baptiste van Loo
& quot El triunfo de Galatea & quot (1720)

Francis Hayman
& quot; Lecheras bailarinas & quot (1735)

Jean-Honore Fragonard
& quotUna joven leyendo & quot (1776)

Jean-Antoine Watteau
& quot; Peregrinaje a Cythera & quot (1717)

Jean-Honoré Fragonard
& quot El columpio & quot (1767)

Romanticismo

Después de la Revolución Francesa de 1784, cuando los ciudadanos comunes tuvieron una gran batalla con los ricos aristócratas, Europa se encontraba en medio de crisis políticas, guerras y cambios dramáticos. En respuesta al caótico estado de Europa, comenzó un nuevo período artístico llamado & quot; romanticismo & quot; en Alemania, que finalmente se extendió por Francia, Gran Bretaña y otros países europeos.
Además de los elementos clave del arte neoclásico, que eran el respeto y la responsabilidad, el romanticismo tenía un énfasis en los aspectos emocionales y espirituales de la vida. Los artistas crearon arte que representaba las ideas inalcanzables. Además, en medio del caos de Europa, los artistas hicieron arte que hizo que la gente sintiera una sensación de nostalgia. Mucha gente quería volver a los tiempos en que las cosas eran más tranquilas y relajadas.

Obras de arte famosas:
Karl Friedrinch Schinkel
& quot; Catedral gótica junto al agua & quot (1813)

John Constable
& quot; El carro de heno & quot (1821)

J.M.W. Tornero
& quot; El barco de los esclavos & quot (1840)

Theodore Gericault
& quot La balsa de Medusa & quot (1819)

Eugène Delacroix
& quotLa libertad guiando a la gente & quot (1830)

Caspar David Friedrich
& quot; Vagabundo sobre el mar de niebla & quot (1818)

Henry Fuseli
& quot; La pesadilla & quot (1781)

Impresionismo

El impresionismo marca el cambio del arte europeo tradicional al arte moderno, conocido como el primer movimiento de arte moderno. Este estilo de arte se originó en París, Francia, y finalmente se extendió a los Estados Unidos y varias otras partes del mundo. Al ser rechazados de las famosas exposiciones patrocinadas por el estado, los pintores impresionistas alquilaron un estudio y exhibieron sus obras. Sin embargo, sus pinturas no fueron apreciadas, pero suscitaron algunas críticas. Los críticos dijeron que las pinturas parecían incompletas y solo dejaron una "impresión" fugaz. Poco sabían los críticos, eso era exactamente lo que los pintores estaban tratando de capturar: una impresión.

Las pinturas impresionistas son muy únicas y más "modernas" en comparación con los otros estilos de arte mencionados anteriormente. Los artistas estudiaron física óptica y lograron crear una representación más exacta de colores y tonos. Aplicaron varios colores de pintura en pequeños toques, sin mucha precisión ni detalle. Había muchas pinturas que mostraban un atisbo particular de una escena exterior.

Obras de arte famosas:
Edouard Manet
& quotLe dejeuner sur l & # 39herbe & quot (1863)

Berthe Morisot
& quot En un parque & quot (1874)

Camille Pissarro
& quot; El bulevar de Montmatre en una mañana de invierno & quot (1897)

Claude Monet
& quotImpression Sunrise & quot (1872)

Pierre-Auguste Renoir
& quotBaile en Le Moulin de la Galette & quot (1876)

Edgar Degas
& quot; La clase de ballet & quot (1874)

Berte Morisot
& quot; La cuna & quot (1872)

Claude Monet
& quotCoquelicots, La promenade & quot (1873)


Arquitectura renacentista

Nuestros editores revisarán lo que ha enviado y determinarán si deben revisar el artículo.

Arquitectura renacentista, estilo arquitectónico, reflejo del renacimiento de la cultura clásica, que se originó en Florencia a principios del siglo XV y se extendió por toda Europa, reemplazando el estilo gótico medieval. Hubo un renacimiento de las formas romanas antiguas, incluida la columna y el arco de medio punto, la bóveda del túnel y la cúpula. El elemento de diseño básico fue el orden. El conocimiento de la arquitectura clásica provino de las ruinas de edificios antiguos y los escritos de Vitruvio. Al igual que en el período clásico, la proporción fue el factor de belleza más importante. Los arquitectos renacentistas encontraron una armonía entre las proporciones humanas y los edificios. Esta preocupación por la proporción dio como resultado un espacio y una masa claros y fácilmente comprensibles, que distinguen el estilo renacentista del gótico más complejo. Filippo Brunelleschi es considerado el primer arquitecto renacentista. Leon Battista Alberti Diez libros de arquitectura, inspirada en Vitruvio, se convirtió en una biblia de la arquitectura renacentista. Desde Florencia, el estilo del Renacimiento temprano se extendió por Italia. El traslado de Donato Bramante a Roma marcó el comienzo del Alto Renacimiento (C. 1500-20). El manierismo, el estilo del Renacimiento tardío (1520-1600), se caracterizó por la sofisticación, la complejidad y la novedad más que por la armonía, la claridad y el reposo del Alto Renacimiento. El Renacimiento tardío también vio mucha teorización arquitectónica, con Sebastiano Serlio (1475–1554), Giacomo da Vignola (1507–73) y Andrea Palladio publicando libros influyentes.


Páginas prácticas

Prerrenacentista al siglo XVIII

Creé líneas de tiempo de movimientos artísticos

Debido al tamaño de los archivos, he dividido la línea de tiempo en 4 secciones:

  • Prerrenacentista & # 8211 Siglo XVIII
  • Siglo XIX hasta finales del siglo XIX
  • Siglo XX hasta el arte moderno
  • Movimientos de arte moderno

Esta semana & # 8217s La línea de tiempo es anterior al Renacimiento & # 8211 del siglo XVIII

Haga clic aquí para descargar su página de 9

Proporcioné una definición básica de cada movimiento artístico e incluí las fechas y los nombres de los fundadores y los artistas más eminentes de ese movimiento. Cada artista tiene una miniatura de su trabajo. He colocado cada movimiento artístico en una nueva página para mayor claridad y para ayudar al estudio de diferentes épocas.

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Utilice la línea de tiempo de varias formas:

  • Imprima como un Libro de arte de los siglos o agréguelo al propio Libro de los siglos de un estudiante
  • Corta y pega las páginas de un extremo a otro como una línea de tiempo de arte.
  • Recorte y agregue los artistas y sus miniaturas de obras de arte a una línea de tiempo de arte dedicada o una línea de tiempo existente
  • Lamine y corte a los artistas como tarjetas y deje que los niños relacionen a los artistas con las épocas.

En esta descarga se incluyen los siguientes movimientos artísticos:


Prerrenacentista
Arte gótico
Arte bizantino
El Renacimiento
El Renacimiento temprano
El alto renacimiento
El Renacimiento del Norte
Manierismo
siglo 17
Arte barroco
siglo 18
El estilo rococó
Neoclasicismo
Arte Académico
Ukiyo-e japonés

Obtuve toda la información para esta línea de tiempo de Artcyclopedia.com.

Subiré las siguientes 2 líneas de tiempo pronto, así que regístrese para recibir una notificación por correo electrónico o coloque mi fuente RSS en su página de inicio. (Encontrarás esto en mi barra lateral justo debajo de mi Gravatar).


Expansión

Una introducción a una variedad de movimientos artísticos que han dado forma al curso de la Historia del Arte Occidental.

¡Bienvenido a nuestra cronología de historia del arte!

Hemos creado esta línea de tiempo para ilustrar los signos de ASLCORE para los diversos movimientos artísticos, su cronología, sus precursores, la influencia que ejercieron en los movimientos posteriores y las transiciones entre ellos.

Se explorarán las diversas técnicas y estilos artísticos que han ido evolucionando a lo largo del tiempo.

A medida que ve las explicaciones y ejemplos de la obra de arte de ese período, verá cómo el arte mismo informó la creación de estos nuevos signos sugeridos, y cómo los signos mismos resaltan aspectos notables de los movimientos.

Las obras de arte de cada movimiento están programadas para mostrarse mientras se discuten varios aspectos.

La explicación de ASL más las presentaciones de diapositivas de la obra de arte contribuirán a su comprensión de ese tema.

Es importante tener en cuenta que todas las fechas mencionadas para los comienzos y los finales de los movimientos son aproximadas.

Debido a la naturaleza fluida de la evolución artística, no hay delineación exacta de cuándo comienza o termina un movimiento o estilo.

Hemos elegido cuidadosamente las obras de arte que son los ejemplos más claros que indican ese movimiento y / o estilo en particular.

Las selecciones en esta línea de tiempo le proporcionarán un buen punto de partida para explorar más a fondo, ya que sería imposible mostrar el corpus completo de un período de tiempo en un solo video.

Esta línea de tiempo se concentra en el arte occidental, ya que la mayoría de las clases de introducción al arte enfatizan principalmente esa tradición.

Pero si sus intereses se encuentran en el arte africano o asiático, hay otros recursos disponibles para que los descubra.

¡Únase mientras nos sumergimos en la cronología de la historia del arte!

El arte occidental temprano comienza alrededor del año y dura hasta 1400.

Por supuesto, ¡antes de esta época había mucho arte en el mundo!

Varias culturas, como la griega, la romana y la egipcia, crearon pinturas, esculturas y otros medios que aún existen.

Pero lo que normalmente se conoce como arte occidental comienza en este período de tiempo y se ubica principalmente en el área definida como Europa.

Debido a que la mayoría de la gente en ese momento era analfabeta, el arte era predominantemente de naturaleza religiosa.

Los asistentes a la iglesia no podían acceder a la información de las Biblias u otros textos, sino que recibían instrucción religiosa al mirar las decoraciones que los rodeaban mientras adoraban.

Las historias bíblicas, la vida de los santos y la instrucción religiosa se encontraban en pinturas y esculturas dispuestas en la iglesia.

Durante este período de tiempo, los artistas no pudieron ejercer la libertad para dedicarse a su arte de la forma que quisieran.

En cambio, existían fuertes convenciones artísticas a las que debían adherirse y, por lo tanto, las similitudes visuales estaban circunscritas.

Por ejemplo, las pinturas no intentaron retratar facsímiles realistas de personas o lugares.

Eran planos, sin uso de perspectiva ni intentos de aproximarse al espacio tridimensional.

Hay varios movimientos en el arte occidental temprano, incluidos el bizantino, el románico, el medieval y el gótico.

Notará cómo el arte en estos períodos de tiempo cambió con el tiempo.

El arte bizantino abarca el período de tiempo de 330 a 1450.

En realidad, hay algunos movimientos que ocupan esta época, pero el bizantino es el más fácilmente reconocible.

El estilo es coherente en todas las épocas, lugares y artistas.

Los artistas no podían seguir sus propias musas y perseguir sus propios estilos o fantasías creativas.

Tenían que seguir estrictos estándares de la época, incorporando ciertos elementos que daban como resultado obras de arte que se veían muy similares.

Un ejemplo de esto son los colores planos que se utilizan para los fondos, con sujetos humanos mirando directamente hacia el espectador.

Las imágenes eran bastante planas, no hubo ningún intento de mostrar la perspectiva o una representación realista.

Los rostros nunca se volvieron de perfil, sino que siempre se enfrentaron al espectador.

A menudo se utilizaron iconos que tenían un significado religioso y simbólico comprendido por los espectadores en ese momento.

Imágenes como flores, árboles u ovejas pueden aparecer en pinturas bizantinas, cada una con un simbolismo incrustado.

Se utilizó mucho el color, colores fuertes y lisos como el rojo o el azul, con un uso frecuente del oro.

A menudo, el sujeto de la pintura tendrá un halo dorado brillante alrededor de su cabeza, una convención que comenzó durante la época bizantina y continuó mucho después.

Durante este movimiento se crearon pequeños mosaicos configurados para formar imágenes, llamados mosaicos.

Por lo general, se trataba de piezas a gran escala ubicadas en las paredes y techos de las iglesias para inspirar y animar a los feligreses mientras adoraban.

Debido a que pocas personas sabían leer y escribir, las representaciones artísticas de historias bíblicas sirvieron como instrucción que les era inaccesible en los textos escritos.

Se exhibieron las vidas de los santos y otras historias bíblicas para guiar a la congregación.

El arte bizantino incluía mosaicos, así como arte manuscrito ornamentado, con ciertas letras y palabras elaboradamente ilustradas.

Se utilizaron colores brillantes y trabajos de líneas finas.

La obra de arte bizantina es reconocida porque estableció el vocabulario visual de metáforas, símbolos y motivos que encuentran ecos en el románico, el gótico y otros movimientos artísticos posteriores.

El arte románico ocupa un corto período de tiempo dentro del movimiento artístico bizantino general.

Nombra un estilo arquitectónico más nuevo que surgió, rompiendo con la estética anterior.

Los edificios románicos tendían a construirse más abajo del suelo, con muros y soportes pesados ​​y gruesos, a veces con torreones redondeados.

Los dinteles de las puertas no tenían la forma rectangular tradicional, sino que se curvaban en un arco.

Se exhibieron mosaicos, al igual que ventanas altas y curvas.

Las iglesias se estaban volviendo más altas ahora, y cuando los feligreses entraban, sus miradas se dirigían hacia arriba, hacia su inspiración celestial.

El arte medieval fue entre los años 800 y 1300 d.C.

Es posible que sienta curiosidad por el letrero ASLCORE para medieval.

Primero, se refiere al tamaño de la obra de arte creada durante ese movimiento, que tendía a ser bastante grande en escala.

La segunda razón tiene que ver con los sujetos humanos de las pinturas.

A menudo eran representaciones de santos o figuras religiosas cuya divinidad estaba indicada por la presencia de halos, a veces en filigrana de oro.

Esta característica sirve como sello distintivo del arte medieval.

Combinamos estos dos conceptos para crear un letrero que refleje ambas ideas.

Cuando examina el arte bizantino y medieval uno al lado del otro, puede notar que son bastante similares; lo más notable es que ambos son planos / bidimensionales en apariencia, con personas que parecen casi pegadas a la superficie y flotando sin amarres en el espacio.

Ambos estilos hacen un uso intensivo del simbolismo y la metáfora visual.

No hay ningún intento de realismo o interpretación natural, no hay perspectiva.

Los artistas no podían ejercer autonomía sobre sus elecciones de tema y estilo, sino que estaban sujetos a los dictados artísticos de su época, lo que creaba una mayor uniformidad en las imágenes.

Tanto el arte bizantino como el medieval retrataban temas religiosos e instrucción bíblica.

Sin embargo, las piezas medievales se diferenciaron en un aspecto digno de mención: los artistas utilizaron materiales ricos y costosos que crearon hermosas obras de arte.

Se puso oro real en el lienzo, al igual que joyas preciosas, pigmentos y decoraciones.

Si bien el arte bizantino tenía un alcance limitado, el arte medieval tenía diferentes estilos subsidiarios dentro de él.

Había mosaicos y pinturas anteriores, pero ahora también esculturas, tapices y arte manuscrito increíblemente ornamentado.

También es durante el período medieval cuando se pueden notar los cambios en la arquitectura.

Los primeros años del movimiento siguen la sensibilidad más románica, pero a medida que pasa el tiempo hay una evolución hacia el estilo gótico.

El arte gótico se creó entre los años 1150 a 1400.

Anteriormente, las personas en las pinturas se colocaban sobre fondos planos, no con la intención de parecer realistas, sino que tenían una función simbólica.

El arte gótico presenta a artistas que luchan por el realismo en las personas que buscaban retratar.

Sin embargo, todavía no hubo un intento sistemático de perspectiva y los fondos permanecieron planos y estáticos.

¡Observe en estos ejemplos de arte gótico lo detallado y ornamentado que se ha vuelto el arte!

En la arquitectura de esa época, las estructuras románicas anteriores, más gruesas y pesadas, dieron paso a edificios más abiertos, aireados y luminosos.

Al ingresar a una catedral gótica, los feligreses se encontrarían con espacios impresionantemente elevados, con techos en ángulo agudo y techos con arcos apuntados.

Un patrón estructural particular sostenía las alturas, llamadas bóvedas de crucería.

Se utilizaron extensivamente vidrieras detalladas a lo largo de las paredes de la galería, que representan historias religiosas para instruir a los feligreses.

El arte renacentista y posrrenacentista abarca desde alrededor de 1300 hasta 1850.

Los cambios más dramáticos se notan en un lapso de tiempo más corto que cualquier movimiento anterior.

Antes de esta era, los artistas se habían visto limitados por convenciones estrictas y no podían ejercer la autonomía creativa para perseguir sus propios estilos, lo que hacía que la mayor parte del arte fuera indistinguible.

El tema fue predominantemente religioso.

Con la llegada del Renacimiento, ¡todo eso cambió drásticamente!

Los artistas siguieron a sus musas, lo que dio como resultado que los estilos individuales se reconocieran fácilmente como exclusivamente suyos.

Si bien los temas religiosos seguían siendo populares, ahora también se podían explorar otros.

Los cuentos mitológicos, la literatura y las representaciones de la prosaica experiencia humana fueron forraje para los artistas que trabajaron durante el Renacimiento y el Post Renacimiento, desatando grandes fuentes de creatividad.

No se puede exagerar la importancia de este período de tiempo, ya que los cánones resultantes influyeron prácticamente en todos los movimientos artísticos que siguieron.

El Renacimiento puede considerarse el catalizador de muchos movimientos posteriores, como el manierismo, el barroco, el rococo, el neoclasicismo y el romanticismo.

El Renacimiento comenzó en el año y continuó hasta 1520.

La palabra "Renacimiento" significa literalmente "renacimiento", y en ese momento lo que estaba renaciendo eran las sensibilidades clásicas griegas y romanas y los ideales estéticos.

En los períodos inmediatamente anteriores al Renacimiento, bizantino, románico y gótico, el arte se parecía mucho independientemente de quién lo creara.

Pero los artistas del Renacimiento estaban dispuestos a ignorar las convenciones que se les habían impuesto y dar rienda suelta a su creatividad, explorando sus propias nociones de belleza y cómo eligieron expresar su estética personal.

Uno de los cambios más notables fue lo realista que se volvió el arte, especialmente en la atención a la proporción física al representar a los humanos.

Las venas, las estructuras musculares y esqueléticas se representaron de manera realista, en lugar de cuerpos planos mirando hacia adelante en un plano bidimensional.

En movimientos anteriores, para indicar el cielo, por ejemplo, los fondos solían ser de un azul liso aplicado de manera plana a la superficie.

Ahora los paisajes eran un juego limpio, con paisajes de montañas y lagos de fondo.

Ahora se podía ver un uso sofisticado de la perspectiva, que mostraba diferentes planos de escenas y actividad, con puntos de fuga convergentes para atraer la atención de los espectadores hacia el lienzo, aproximándose al espacio tridimensional.

Los colores empleados también se volvieron más variados, ya que los artistas experimentaron con pinturas al óleo que permitían mezclar y superponer de diferentes maneras.

Una técnica llamada claroscuro se hizo popular a medida que los artistas exploraban el límite liminal entre el resaltado y la oscuridad en los sujetos.

Hubo tres fuentes de temas que se repitieron durante el Renacimiento: los temas religiosos, por supuesto, se mantuvieron fuertes, los cuentos y mitos griegos clásicos, y ahora se mostraron experiencias seculares, capturando momentos en las vidas de los humanos normales que vivían en la tierra en ese momento.

El humanismo, la idea de que quizás el destino de las personas no estaba necesariamente fuera de su control, fue una idea nueva que surgió.

Los artistas finalmente fueron reconocidos y venerados por sus talentos, y las familias adineradas sirvieron como patrocinadores, encargando obras para el disfrute privado o patrocinando financieramente piezas exhibidas en iglesias.

Los artistas ya no eran vistos como comerciantes intercambiables, sino como practicantes respetados de su oficio.

El manierismo es un movimiento que comenzó alrededor de 1520 y duró hasta 1580.

Es un movimiento subsidiario que ocurre durante el Renacimiento.

La estética en este momento tomó la forma humana ideal y luego exageró aspectos de la misma, como se ve en la pintura aquí exhibida.

Observe el cuello alargado y perfectamente formado de la mujer.

Mientras que anteriormente el énfasis de la composición era el equilibrio y la simetría, los artistas manieristas eligieron un elemento particular de la pieza y lo enfatizaron, como para llamar la atención sobre el hecho de que era "demasiado perfecto".

El arte barroco duró desde 1600 hasta alrededor de 1700.

El período anterior, el manierismo, enfatizó la perfección que se evidenciaba en el arte en ese momento, en la medida en que parecía poco realista, imposible que tal perfección pudiera existir en este mundo.

Los artistas barrocos buscaron retratar más realismo en su trabajo, siendo la desviación más obvia de los movimientos anteriores la representación de sujetos involucrados en escenas de acción intensa.

En lugar de poses estáticas, los escenarios ahora estaban llenos de movimientos e interacciones dinámicos. Estas obras de arte estaban destinadas a evocar emociones en los espectadores mientras sus ojos exploraban las emocionantes historias que se desarrollaban ante ellos.

Las composiciones eran asimétricas, con fuertes líneas diagonales que enfatizaban el movimiento.

Por lo general, había una fuente de luz fuerte, que creaba las condiciones perfectas para emplear la técnica del claroscuro.

Pinturas barrocas centradas en temas religiosos, escenas de importancia histórica o mitos y fantasía.

También hay un estilo arquitectónico asociado con el período barroco.

En lugar de ser ligero y aireado, está marcado por estructuras pesadas con una gran cantidad de ornamentación, que utilizan materiales ricos como el oro y la plata.

El período rococó se extiende de 1700 a 1775.

Fue iniciado en Francia por artistas que miraban con recelo las obras de arte barrocas que se estaban produciendo en Italia.

Querían crear su propio estilo, empleando colores más suaves, rosas, azules claros, blancos, además de enfatizar las curvas y las formas en picada.

La iluminación era suave y difusa, brillante pero no tan deslumbrante.

El simbolismo y la metáfora estuvieron presentes en muchos de los elementos de la obra de arte.

Las historias que se contaban parecían ser simples y sin trabas, mostrando parejas cortejando, sentadas en columpios, disfrutando de una vida tranquila.

Sin embargo, al acecho detrás de este exterior despreocupado, a veces había cuentos de advertencia para advertir al espectador de posibles errores de los que debía ser consciente en sus propias vidas.

El rococó es una forma de arte hermosa, elegante y sofisticada.

El neoclasicismo duró desde 1765-1850, presenta una sensibilidad artística opuesta a la naturaleza lúdica y alegre del arte rococó.

El neoclasicismo se remonta a la estética griega y romana de la antigüedad, empleando más equilibrio, simetría y estructuras formales.

No había sensación de fluidez y fluidez, sino líneas severas.

La paleta de colores era más estrecha y las formas geométricas y exactas.

Así como las estructuras políticas se volvían más ordenadas, circunscritas y reglamentadas, también lo era el arte neoclásico.

El romanticismo tuvo lugar entre 1765 y 1850.

En respuesta a la cruda exactitud geométrica del neoclasicismo, que enfatizaba el orden griego y romano y la perfección equilibrada, el romanticismo, en cambio, deseaba transmitir las vicisitudes de la emoción humana.

Buscó sondear las profundidades de la experiencia humana y retratar escenas que atraigan a todos los sentidos.

A menudo, el tema se centró en las personas en la naturaleza, explorando su relación e interacción con el entorno que las rodea.

El objetivo del arte romántico era retratar una emoción fuerte y abierta.

El arte moderno comenzó en la década de 1850 y continuó hasta el siglo XX y más allá.

El siglo XIX vio el advenimiento de una mayor industrialización, el progreso en los modos de transporte, la tecnología y grandes saltos innovadores, en gran parte como resultado de los descubrimientos realizados durante la era anterior de la Razón.

Los descubrimientos científicos y las metodologías ocurrieron paralelamente a las nuevas formas de compromiso con las construcciones religiosas, lo que significa que las formas de pensamiento secular y no secular ya no estaban en competencia.

En cambio, combinaron fuerzas para alimentar la esperanza de que la humanidad pudiera alcanzar un ideal, ¡y el cielo era el límite!

Los artistas de la época estaban imbuidos de este espíritu de época y buscaban reflejarlo en nuevas formas de expresión, utilizando formas y materiales experimentales, con la esperanza de retratar con precisión la atmósfera social y los cambios emocionantes que ocurrían durante su época.

El tema general del arte moderno comprende varios movimientos.

Una muestra de ellos incluye: Realismo, Impresionismo, Post Impresionismo, Art Deco, Art Nouveau, Cubismo, Surrealismo, El Renacimiento de Harlem, Futurismo, Arte Pop, ¡y muchos otros que te presentaremos!

El realismo abarcó desde 1840-1880.

Los artistas que llegaron a la mayoría de edad durante el romanticismo sintieron que toda esa emoción sobreexcitada no reflejaba necesariamente la verdad del tema.

Decidieron representar la vida prosaica que veían a su alrededor, personas de aspecto realista en escenas realistas, realizando actividades cotidianas.

Los artistas se basaron en la experiencia de observar sus propias vidas y los tiempos sociológicos e históricos en los que vivieron, y luego retrataron fielmente esa realidad en el lienzo.

El impresionismo comenzó alrededor y duró hasta 1890.

El movimiento anterior del Realismo se centró en mostrar el mundo que rodea al artista, esforzándose mediante el uso de detalles precisos para representar las experiencias cotidianas de los humanos, insistiendo en lo que veían como autenticidad en el lienzo.

Pero ahora un grupo de artistas a su alrededor dirigió su atención a la interrelación del color y la luz, cómo las diferentes cualidades de las atmósferas claras y oscuras informarían la percepción de la forma y el color.

A medida que las fuentes de luz cambiaran en intensidad y ángulo, también lo haría la forma en que el sujeto se vería a los ojos como lo demuestran los cambios de color.

Los artistas se obsesionaron no solo con los sujetos, sino con la atmósfera y el juego de la luz reflejada sobre las superficies que definían a los sujetos.

El uso de líneas claramente definidas y la precisión de los detalles no fueron privilegiados, sino que fueron reemplazados por una técnica de pincelada abierta.

Mientras que los lienzos habían sido apreciados por superficies planas sin aplicaciones visibles de pintura, ahora cada trazo era audaz y definido, agregando textura al plano bidimensional habitual.

En la naturaleza, el mundo no se presenta plano y liso.

La luz rebota, refracta y baila en las facetas moduladas de todo lo que toca, y los artistas se esforzaron por capturar esa vibración.

Algunos artistas optaron por representar el mismo lugar una y otra vez, por ejemplo, la misma iglesia o el mismo estanque, pintándolo en diferentes momentos del día para mostrar los cambios de color y estado de ánimo.

El tema siguió siendo el mismo, pero las cualidades de la luz y el color cambiaron la apariencia del trabajo resultante.

Entonces, cuando piensas en el impresionismo y lo que significa, dos elementos importantes coexisten y se entremezclan: el color y la luz.

El posimpresionismo es el período que va desde 1885 hasta 1905.

El movimiento anterior del impresionismo utilizaba una nueva técnica para mostrar el mundo que los rodeaba.

Ese mismo enfoque ahora se superpuso con cualidades más expresivas para mostrar no solo lo que ven nuestros ojos, sino también el mundo intensamente personal de la mente y el alma del artista.

El espectador aprendería sobre el tema, así como sobre el artista que lo retrató.

El postimpresionismo comparte gran parte del mismo estilo visual que el impresionismo, utilizando aún más textura y menos detalles.

La paleta de colores era fabulosa y el estilo de cada artista es fácilmente reconocible ya que tenían una técnica variada y personal en su trabajo.

Por ejemplo, Seurat usó pequeños puntos de color para crear una pintura cohesiva, mientras que Van Gogh usó trazos de color amplios y audaces.

El Art Nouveau apareció y persistió hasta 1910, el período anterior a la Primera Guerra Mundial.

Los artistas se enamoraron de las formas que se encuentran en el mundo natural, como plantas, enredaderas, etc. y cómo pueden aplicar formas y diseños orgánicos a elementos inorgánicos como mesas, sillas, lámparas e incluso arquitectura.

En lugar de estructuras rectas y angulares, prevalecieron las curvas y las líneas en picada.

Al entrar en un edificio, puede encontrar una escalera con barandillas hechas de zarcillos de hierro entrelazados y formas onduladas.

Las sillas y mesas tendrían elementos de formas vivas y crecientes en sus estructuras de soporte.

Las lámparas podían brillar y gotear de color cuando estaban encendidas, reflejando aún más el mundo natural.

El fauvismo ocupa una breve nota en la Historia del Arte, que dura sólo desde 1905 hasta 1910.

Este grupo de artistas admiraba los movimientos impresionista y postimpresionista y decidió aprovechar las ideas de colores llamativos exagerándolas aún más.

Estos colores explosivos evocarían aún más emoción en el espectador.

El mundo de los críticos de arte y las academias formales estaban horrorizados por lo que consideraban un llamativo uso excesivo del color, que solo sirvió para incitar a los artistas fauve a utilizar tonos aún más llamativos para expresarse.

El expresionismo se identifica desde alrededor de 1930 y encaja bastante bien en la categoría general de modernismo.

El ímpetu para cualquier arte en este movimiento son los estados emocionales de ansiedad y temor de los artistas por lo que estaban viendo ocurrir en el mundo que los rodeaba en ese momento.

La velocidad del cambio en la modernidad, los acontecimientos mundiales actuales y la preocupación por un futuro incierto fueron inspiraciones para gran parte del arte expresionista.

Los sellos distintivos de este estilo son el uso de colores brillantes, formas y líneas no representativas alargadas o exageradas.

El objetivo del expresionismo era representar artísticamente los pensamientos y preocupaciones del artista, no representaciones realistas del mundo.

Art Deco duró desde 1910 hasta aproximadamente 1930.

Antes de la Primera Guerra Mundial, el Art Nouveau era popular, que era el estilo de arte célebre que se inspiró en el mundo natural, utilizando representaciones de hojas, flores y otras formas orgánicas fluidas en obras de arte, decoraciones, muebles e incluso elementos de edificios. .

A medida que el mundo se acercaba a la época de la Gran Guerra, surgió el deseo de hacer arte que reflejara los sentimientos actuales de la sociedad.

Los artistas decidieron que el uso de elementos geométricos más severos lograría ese sentimiento: líneas repetitivas, triángulos, rectángulos y cuadrados.

Una de las razones de esta influencia más matemática en el arte fue la capacidad mejorada para replicarlo y fabricarlo en productos para que la gente los comprara.

La producción en masa significó una mayor disponibilidad y, por lo tanto, la oportunidad para que más personas poseyeran estos productos.

Es más fácil utilizar herramientas para la fabricación de triángulos simples, cuadrados y bordes rectos en comparación con las formas orgánicas curvilíneas.

Sin embargo, el hecho de que estos artículos ahora pudieran producirse en masa no significaba que hubiera un compromiso en la calidad que resultara en artículos baratos.

Se puso gran cuidado en el diseño y la fabricación, siendo la prioridad el uso de materiales ricos y resistentes.

Al ingresar al edificio Art Deco, un espectador vería muebles, decoraciones y adornos fascinantes, todos con una estética más moderna.

El cubismo fue un movimiento que comenzó y duró hasta 1915.

Los dos artistas destacados de este estilo son Picasso y Braque.

Anteriormente, las pinturas habían representado el uso realista de la perspectiva, la forma en que nuestros ojos ven el mundo.

El cubismo tomó diferentes puntos de vista de un tema, como si uno pudiera hacer un recorrido de 360 ​​grados alrededor del tema, y ​​luego segmentó instantáneas individuales de cada vista.

El cubismo los presentó todos simultáneamente en un plano bidimensional.

Y la yuxtaposición de multitudes de perspectivas creó imágenes que se veían así: el futurismo comenzó alrededor y duró solo hasta 1914.

Los artistas se sintieron motivados por la velocidad y la trayectoria de los cambios en nuestro mundo moderno.

Negocios, industria, tecnología, transporte: la energía y las vibraciones del mundo moderno los inspiraron a intentar manifestaciones visuales en el arte.

Tomando prestados elementos del cubismo, que simultáneamente representaban varias perspectivas de un tema y lo aplastaban en un plano de visión, los artistas futuristas cambiaron el concepto de dónde provenían estas perspectivas.

En lugar de que las percepciones del espectador se muevan alrededor del objeto, el arte futurista imagina que el espectador permanece inmóvil y el tema en sí está en movimiento.

El dadaísmo tuvo lugar entre 1916 y 1922.

Un grupo de artistas miraba el mundo que los rodeaba, un mundo enloquecido por la guerra, la política, el comercio, y se sintieron disgustados y consternados.

Se rebelaron, convirtiéndose en iconclastas, negándose a respetar imágenes tradicionalmente veneradas en el mundo del arte.

Querían crear un arte que ejemplificara los tiempos en los que vivían juntando símbolos e imágenes dispares de formas que eran imposibles de descifrar, ¡y ser incomprensible era el objetivo del arte dadaísta!

El surrealismo duró aproximadamente desde 1924 hasta 1939.

El movimiento anterior de Dada Art fue visto como negativo en su rechazo de las tradiciones establecidas del arte y la estética.

Algunos artistas deseaban evocar un aura más positiva en su trabajo, lo que resultó en el desarrollo del surrealismo.

Trataron de dejar que su imaginación corra libremente y sin restricciones, sin ataduras por la realidad o lo que era físicamente posible.

Exploraron el inconsciente, tomando imágenes de sueños y vuelos de fantasía y yuxtaponiéndolas de maneras absurdas, sin preocuparse por presentar algo realista.

El trabajo funcionó como una corriente de conciencia, sin construir y fluida, como en nuestros sueños.

La ciencia de la psicología y las exploraciones de la mente inconsciente se utilizaron como inspiración para la creación de obras de arte surrealistas.

El Renacimiento de Harlem duró desde la década de 1920 hasta la de 1940.

Antes de este tiempo, el arte había visto cómo se producían sus cambios de forma regular y evolucionaban lentamente.

El Renacimiento de Harlem fue más como un repentino terremoto de expresión.

El arte negro, la literatura, la danza y la música ejercieron una gran influencia a partir de ese momento.

Inspirados por el jazz y el blues, los artistas negros trabajaron deliberadamente para representar la experiencia negra en los Estados Unidos tal como la vieron y la vivieron.

Hubo una exploración consciente de la vida de los negros como algo separado de la hegemonía blanca dominante que los rodeaba, y sintieron la necesidad de infundir orgullo y empoderamiento, un sentido de rica tradición y reverencia por quiénes habían sido y quiénes eran.

Esta explosión de creatividad y autoexpresión influyó en otras culturas privadas de derechos en los EE. UU. Para que también extendieran sus alas, y nacieron y se desarrollaron muchos estilos diferentes.

Independientemente de la forma o el contenido de la obra de arte, la prioridad era desafiar a todos los afroamericanos a reconocer su poder y celebrarse mutuamente como individuos y su cultura en general.

El expresionismo abstracto se extiende desde 1940 hasta 1960.

Después de la Segunda Guerra Mundial, toda la economía mundial cambió y afectó a todos en todas partes.

La ansiedad generalizada en ese momento se reflejó en el uso por parte de los artistas de formas y colores no representativos.

Un artista puede salpicar color indiscriminadamente en el lienzo, o verter grandes cantidades directamente sobre el lienzo agregando posteriormente pinceladas expresivas y textura.

El movimiento del cuerpo del pintor al crear la obra se incorporó e implicó en el producto terminado.

El arte pop dura desde alrededor de 1970 aproximadamente.

Después de la Segunda Guerra Mundial, la economía de EE. UU. Floreció, creando una sólida cultura de consumo.

Los objetos comunes (latas de sopa, sillas, realmente cualquier cosa) se convirtieron en objetos de la mirada artística.

Los carteles se hicieron populares en la cultura estadounidense en este momento.

Las bellas artes siempre habían sido demasiado caras para que cualquiera las pudiera pagar, pero el arte pop se reproducía fácilmente y era barato y, por lo tanto, floreció.

La música pop y el arte estadounidenses conquistaron el mundo y difundieron la cultura estadounidense.

Los baluartes tradicionales de la comunidad artística no aprobaron la nueva estética y dieron a conocer su descontento.

Sin embargo, esta nueva generación de artistas no tenía ningún interés en detener la proliferación de un enfoque más joven y fresco.

El posmodernismo comenzó en la década de 1960 y continúa en la actualidad.

Para comprender sus inicios, retrocedamos y revisemos el arte moderno.

El arte moderno tiene sus raíces en la noción de progreso y la creencia en una trayectoria ascendente de la humanidad.

Se creía que todos los aspectos del mundo - la industria, la tecnología, la vida misma - siempre estaban mejorando, encaminados hacia un ideal.

Si uno examinaba el mundo de cerca, era evidente que había leyes, principios, reglas y sistemas universales que podían descubrirse mediante el uso de la razón y la religión.

El mundo podría ser comprendido, podríamos darle sentido y, por lo tanto, todo lo que pudiéramos conocer y aprender contribuiría a esta inexorable marcha de progreso hacia la perfección inevitable.

Los posmodernistas examinaron esta imagen rosada del futuro con ojos escépticos y descartaron este optimismo sobre la comprensión y el sentido de las cosas como un sueño optimista.

Su respuesta fue declarar que todo puede ser y es Arte.

El arte siempre había sido visto como algo que existía en algún plano de existencia separado y reverenciado, e incluso aquellos que crearon tipos de arte más prosaicos todavía parecían sentir que la expresión a través de diferentes medios era algo separado de la experiencia cotidiana de vivir.

Los posmodernistas insistieron en que tanto las bellas artes como el arte más peatonal eran exactamente lo mismo y que realmente todo en el mundo es arte.

Una mesa podría considerarse arte, una silla podría ser arte.

Dos ladrillos colocados uno al lado del otro podrían ser art.

Una vez más, ¡cualquier cosa puede ser arte!

Entonces el arte posmoderno juega con la idea de los objetos como arte, y también las ideas podrían expresarse a través de estos objetos normales.

A veces, los significados de estas colecciones de cosas e ideas no son claros para el espectador.

El arte tradicional estándar siempre había funcionado como algo aparte, para ser visto, analizado, considerado y finalmente entendido.

El arte posmoderno no hizo tales promesas de comprensión, a menudo dejando al observador desconcertado en cuanto al punto de lo que estaba mirando.

Hay varios movimientos bajo el término de Arte Posmoderno:

Incluyen arte conceptual, arte escénico, arte de instalación, graffiti, arte deconstructivista y arte minimalista.

El arte conceptual comenzó en la década de 1960 y continúa hasta la actualidad.

Ahora, en lugar de que el arte ya no exista únicamente en los objetos físicos, el arte se convierte en realidad en las ideas evocadas por esos objetos.

El proceso de comprometerse intelectualmente con lo que uno ve crea el arte internamente dentro del espectador, lo que significa que el acto de ver el arte es solo el comienzo de la experiencia artística.

Entonces, cómo uno mira la pieza crea la idea.

Como ejemplo, en esta exposición, el artista quería que el espectador pensara qué son las sillas y qué significan.

Colocó una silla real, una fotografía de una silla y la definición del diccionario de una silla en una galería.

Los espectadores se vieron obligados a considerar la esencia de lo que es una silla.

Así que la idea en sí es con lo que tenían que comprometerse.

A menudo, los artistas conceptuales utilizarán sus cuerpos como objetos para evocar la idea, ya sea como el lienzo en sí o realizando alguna actividad.

Aquí, el artista expulsó agua de la boca para mostrar el concepto de fuente convirtiéndose literalmente en una fuente.

No sintió la necesidad de crear una fuente física en el espacio, sino que encarnó el concepto.

Esto obligó a la gente a reconsiderar sus nociones de "fuente".

El arte conceptual libera los objetos como portadores de significado.

El artista coloca los objetos de tal manera que estimule al observador a pensar sobre qué ideas se están provocando y no a preocuparse por el objeto físico en sí.

El deconstruccionismo es un estilo arquitectónico que prevaleció desde 1960 hasta la década de 1980.

La arquitectura siempre había seguido un cierto estándar, los edificios comprenden materiales erguidos y completos en su entorno.

¡Pero el deconstruccionismo le dio la vuelta a todo eso para presentar un aspecto totalmente diferente!

Los edificios ahora podrían ser asimétricos e impredecibles a medida que los visitantes caminan alrededor y a través de ellos.

El edificio podría tener protuberancias extrañas en ángulos extraños, y las materias primas con las que se construyeron no se escondieron, sino que se exhibieron de manera prominente.

El aluminio o los ladrillos estarían a la vista de todos.

Las estructuras seguían siendo totalmente funcionales por dentro, pero por fuera se veían diferentes a los estilos arquitectónicos anteriores.

Era una forma completamente nueva de conceptualizar cómo podrían verse los edificios.

El minimalismo tuvo lugar entre 1960 y 1975.

Expresionismo abstracto El arte, con toda su emoción manifiesta, sirvió de inspiración para el minimalismo.

Los artistas reconsideraron la esencia del arte y determinaron que la simplicidad era la base de todo.

Por lo tanto, todos los elementos extraños deben eliminarse para llegar a los elementos, formas y materiales más puros y simples.

Las formas para este tipo de arte son simples, simples y, lo adivinaste, ¡mínimas!

Acaba de ver explicaciones para tres movimientos de arte moderno: arte conceptual, arte deconstruccionista y arte minimalista.

En cuanto a lo que vendrá después en el mundo del arte, bueno, ¡eso depende de ti!

¡Anímate y crea algo exclusivamente tuyo y contribuye a ese futuro!


Contenido

La historia del arte es una práctica interdisciplinaria que analiza los diversos factores —culturales, políticos, religiosos, económicos o artísticos— que contribuyen a la apariencia visual de una obra de arte.

Los historiadores del arte emplean varios métodos en su investigación sobre la ontología y la historia de los objetos.

Los historiadores del arte a menudo examinan el trabajo en el contexto de su época. En el mejor de los casos, esto se hace de una manera que respeta las motivaciones e imperativos de su creador, teniendo en cuenta los deseos y prejuicios de sus patrocinadores y patrocinadores, con un análisis comparativo de los temas y enfoques de los colegas y maestros del creador y teniendo en cuenta la iconografía y el simbolismo. En resumen, este enfoque examina la obra de arte en el contexto del mundo en el que fue creada.

Los historiadores del arte también suelen examinar el trabajo mediante un análisis de la forma, es decir, el uso que hace el creador de la línea, la forma, el color, la textura y la composición. Este enfoque examina cómo el artista utiliza un plano de imagen bidimensional o las tres dimensiones del espacio escultórico o arquitectónico para crear su arte. La forma en que se emplean estos elementos individuales da como resultado un arte representativo o no representativo. ¿El artista está imitando un objeto o se puede encontrar la imagen en la naturaleza? Si es así, es representativo. Cuanto más se acerca el arte a la imitación perfecta, más realista. ¿El artista no está imitando, sino que confía en el simbolismo o de una manera importante se esfuerza por capturar la esencia de la naturaleza, en lugar de copiarla directamente? Si es así, el arte no es representativo, también llamado abstracto. El realismo y la abstracción existen en un continuo. El impresionismo es un ejemplo de un estilo de representación que no fue directamente imitativo, sino que se esforzó por crear una "impresión" de la naturaleza. Si la obra no es representativa y es una expresión de los sentimientos, anhelos y aspiraciones del artista o es una búsqueda de ideales de belleza y forma, la obra no es representativa o es una obra de expresionismo.

Un análisis iconográfico es aquel que se centra en elementos de diseño particulares de un objeto. A través de una lectura atenta de dichos elementos, es posible rastrear su linaje, y con ello sacar conclusiones sobre el origen y trayectoria de estos motivos. A su vez, es posible realizar cualquier cantidad de observaciones sobre los valores sociales, culturales, económicos y estéticos de los responsables de producir el objeto.

Muchos historiadores del arte utilizan la teoría crítica para enmarcar sus investigaciones sobre los objetos. La teoría se utiliza con mayor frecuencia cuando se trata de objetos más recientes, los de finales del siglo XIX en adelante. La teoría crítica en la historia del arte a menudo se toma prestada de académicos literarios e implica la aplicación de un marco analítico no artístico al estudio de los objetos de arte. Las teorías feministas, marxistas, de raza crítica, queer y poscoloniales están bien establecidas en la disciplina. Al igual que en los estudios literarios, existe un interés entre los estudiosos por la naturaleza y el medio ambiente, pero aún no se ha determinado la dirección que tomará en la disciplina.

Más recientemente, los medios y la tecnología digital introdujeron posibilidades de análisis visual, espacial y experiencial. Las formas relevantes varían desde películas a formas interactivas, incluyendo entornos virtuales, entornos aumentados, medios situados, medios en red, etc. Los métodos habilitados por tales técnicas están en desarrollo activo y prometen incluir enfoques cualitativos que pueden enfatizar narrativa, dramatismo, emocional. y características lúdicas de la historia y el arte. [5]

Plinio el Viejo y precedentes antiguos Editar

Los escritos sobre arte más antiguos que se conservan y que pueden clasificarse como historia del arte son los pasajes de Plinio el Viejo. Historia Natural (c. 77-79 d. C.), sobre el desarrollo de la escultura y la pintura griegas. [6] A partir de ellos es posible rastrear las ideas de Jenócrates de Sición (c. 280 aC), un escultor griego que fue quizás el primer historiador del arte. [7] El trabajo de Plinio, si bien es principalmente una enciclopedia de las ciencias, ha sido influyente desde el Renacimiento en adelante. (Los pasajes sobre las técnicas utilizadas por el pintor Apeles c. (332-329 a. C.), han sido especialmente bien conocidos.) Desarrollos similares, aunque independientes, ocurrieron en la China del siglo VI, donde los escritores de China establecieron un canon de artistas dignos. la clase de erudito-oficial. Estos escritores, que eran necesariamente competentes en caligrafía, eran artistas. Los artistas se describen en el Seis principios de la pintura formulado por Xie He. [8]

Vasari y las biografías de los artistas Editar

Si bien las reminiscencias personales del arte y los artistas se han escrito y leído durante mucho tiempo (ver Lorenzo Ghiberti Commentarii, para el mejor ejemplo temprano), [9] fue Giorgio Vasari, el pintor toscano, escultor y autor de la Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos, quien escribió el primer verdadero historia de arte. [10] Hizo hincapié en la progresión y el desarrollo del arte, que fue un hito en este campo. El suyo era un relato personal e histórico, con biografías de artistas italianos individuales, muchos de los cuales eran sus contemporáneos y conocidos personales. El más famoso de ellos fue Miguel Ángel, y el relato de Vasari es esclarecedor, aunque sesgado [ cita necesaria ] en lugares.

Las ideas de Vasari sobre el arte fueron enormemente influyentes y sirvieron de modelo para muchos, incluso en el norte de Europa, de Karel van Mander. Schilder-boeck y Joachim von Sandrart's Academia Teutsche. [ cita necesaria ] El enfoque de Vasari prevaleció hasta el siglo XVIII, cuando se criticó su relato biográfico de la historia. [ cita necesaria ]

Winckelmann y la crítica de arte Editar

Eruditos como Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), criticaron el "culto" de la personalidad artística de Vasari, y argumentaron que el verdadero énfasis en el estudio del arte debería ser el punto de vista del espectador erudito y no el punto de vista único del artista carismático. . Los escritos de Winckelmann fueron así los inicios de la crítica de arte. Sus dos obras más notables que introdujeron el concepto de crítica de arte fueron Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst, publicado en 1755, poco antes de partir hacia Roma (Fuseli publicó una traducción al inglés en 1765 bajo el título Reflexiones sobre la pintura y la escultura de los griegos), y Geschichte der Kunst des Altertums (Historia del arte en la antigüedad), publicado en 1764 (esta es la primera aparición de la frase 'historia del arte' en el título de un libro) ". [11] Winckelmann criticó los excesos artísticos de las formas barrocas y rococó, y fue fundamental para reformar el gusto a favor del neoclasicismo más sobrio. Jacob Burckhardt (1818-1897), uno de los fundadores de la historia del arte, señaló que Winckelmann fue "el primero en distinguir entre los períodos del arte antiguo y en vincular la historia del estilo con la historia mundial". Winckelmann hasta mediados del siglo XX, el campo de la historia del arte estuvo dominado por académicos de habla alemana, por lo que el trabajo de Winckelmann marcó la entrada de la historia del arte en el discurso altamente filosófico de la cultura alemana.

Winckelmann fue leído con avidez por Johann Wolfgang Goethe y Friedrich Schiller, quienes comenzaron a escribir sobre la historia del arte, y su relato del grupo de Laocoonte provocó una respuesta por parte de Lessing. El surgimiento del arte como un tema principal de especulación filosófica se solidificó con la aparición de Immanuel Kant Crítica del juicio en 1790, y fue promovido por Hegel Conferencias sobre estética. La filosofía de Hegel sirvió de inspiración directa para el trabajo de Karl Schnaase. De Schnaase Niederländische Briefe estableció los fundamentos teóricos de la historia del arte como disciplina autónoma, y ​​su Geschichte der bildenden Künste, uno de los primeros estudios históricos de la historia del arte desde la antigüedad hasta el Renacimiento, facilitó la enseñanza de la historia del arte en las universidades de habla alemana. La encuesta de Schnaase se publicó al mismo tiempo que un trabajo similar de Franz Theodor Kugler.

Wölfflin y el análisis estilístico Editar

Heinrich Wölfflin (1864-1945), que estudió con Burckhardt en Basilea, es el "padre" de la historia del arte moderno. Wölfflin enseñó en las universidades de Berlín, Basilea, Múnich y Zúrich. Varios estudiantes siguieron carreras distinguidas en historia del arte, incluidos Jakob Rosenberg y Frida Schottmuller. Introdujo un enfoque científico de la historia del arte, centrándose en tres conceptos. En primer lugar, intentó estudiar arte utilizando la psicología, particularmente aplicando el trabajo de Wilhelm Wundt. Argumentó, entre otras cosas, que el arte y la arquitectura son buenos si se parecen al cuerpo humano. Por ejemplo, las casas eran buenas si sus fachadas parecían caras. En segundo lugar, introdujo la idea de estudiar arte a través de la comparación. Al comparar pinturas individuales entre sí, pudo hacer distinciones de estilo. Su libro Renacimiento y Barroco desarrolló esta idea, y fue el primero en mostrar cómo estos períodos estilísticos se diferenciaban entre sí. A diferencia de Giorgio Vasari, Wölfflin no estaba interesado en las biografías de los artistas. De hecho propuso la creación de una "historia del arte sin nombres". Finalmente, estudió arte basado en ideas de nación. Estaba particularmente interesado en saber si había un estilo inherentemente "italiano" y un estilo inherentemente "alemán". Este último interés se articuló más plenamente en su monografía sobre el artista alemán Alberto Durero.

Riegl, Wickhoff y la escuela de Viena Editar

Al mismo tiempo que la carrera de Wölfflin, se desarrolló una importante escuela de pensamiento histórico-artístico en la Universidad de Viena. La primera generación de la Escuela de Viena estuvo dominada por Alois Riegl y Franz Wickhoff, ambos estudiantes de Moritz Thausing, y se caracterizó por una tendencia a reevaluar los períodos desatendidos o menospreciados de la historia del arte. Riegl y Wickhoff escribieron extensamente sobre el arte de la antigüedad tardía, que antes de ellos se había considerado como un período de declive del ideal clásico. Riegl también contribuyó a la revalorización del barroco.

La próxima generación de profesores en Viena incluyó a Max Dvořák, Julius von Schlosser, Hans Tietze, Karl Maria Swoboda y Josef Strzygowski. Varios de los historiadores del arte más importantes del siglo XX, incluido Ernst Gombrich, recibieron sus títulos en Viena en esta época. El término "Segunda Escuela de Viena" (o "Nueva Escuela de Viena") generalmente se refiere a la siguiente generación de eruditos vieneses, incluidos Hans Sedlmayr, Otto Pächt y Guido Kaschnitz von Weinberg. Estos estudiosos comenzaron en la década de 1930 a volver al trabajo de la primera generación, particularmente a Riegl y su concepto de Kunstwollen, e intentó desarrollarlo en una metodología histórica del arte en toda regla. Sedlmayr, en particular, rechazó el minucioso estudio de la iconografía, el mecenazgo y otros enfoques basados ​​en el contexto histórico, prefiriendo concentrarse en las cualidades estéticas de una obra de arte. Como resultado, la Segunda Escuela de Viena se ganó una reputación de formalismo irresponsable y desenfrenado, y además se vio influida por el racismo manifiesto de Sedlmayr y su pertenencia al partido nazi. Sin embargo, esta última tendencia no fue compartida de ninguna manera por todos los miembros de la escuela. Pächt, por ejemplo, era judío y se vio obligado a abandonar Viena en la década de 1930.

Panofsky y la iconografía Editar

Nuestra comprensión del contenido simbólico del arte en el siglo XXI proviene de un grupo de académicos que se reunieron en Hamburgo en la década de 1920. Los más destacados entre ellos fueron Erwin Panofsky, Aby Warburg, Fritz Saxl y Gertrud Bing. Juntos desarrollaron gran parte del vocabulario que los historiadores del arte siguen utilizando en el siglo XXI. "Iconografía", con raíces que significan "símbolos de la escritura", se refiere a temas de arte derivados de fuentes escritas, especialmente las escrituras y la mitología. "Iconología" es un término más amplio que se refiere a todo simbolismo, ya sea derivado de un texto específico o no. En la actualidad, los historiadores del arte utilizan a veces estos términos indistintamente.

Panofsky, en sus primeros trabajos, también desarrolló las teorías de Riegl, pero finalmente se preocupó más por la iconografía y, en particular, por la transmisión de temas relacionados con la antigüedad clásica en la Edad Media y el Renacimiento. A este respecto, sus intereses coincidían con los de Warburg, hijo de una familia adinerada que había montado una impresionante biblioteca en Hamburgo dedicada al estudio de la tradición clásica en el arte y la cultura posteriores. Bajo los auspicios de Saxl, esta biblioteca se convirtió en un instituto de investigación, afiliado a la Universidad de Hamburgo, donde enseñaba Panofsky.

Warburg murió en 1929, y en la década de 1930 Saxl y Panofsky, ambos judíos, se vieron obligados a abandonar Hamburgo. Saxl se instaló en Londres, se llevó la biblioteca de Warburg y estableció el Instituto Warburg. Panofsky se instaló en Princeton en el Instituto de Estudios Avanzados. En este sentido, formaron parte de una afluencia extraordinaria de historiadores del arte alemanes en la academia de habla inglesa en la década de 1930. Estos académicos fueron en gran parte responsables de establecer la historia del arte como un campo de estudio legítimo en el mundo de habla inglesa, y la influencia de la metodología de Panofsky, en particular, determinó el curso de la historia del arte estadounidense durante una generación.

Freud y el psicoanálisis Editar

Heinrich Wölfflin no fue el único estudioso que invocó teorías psicológicas en el estudio del arte. El psicoanalista Sigmund Freud escribió un libro sobre el artista Leonardo da Vinci, en el que utilizó las pinturas de Leonardo para interrogar la psique y la orientación sexual del artista. Freud infirió de su análisis que Leonardo probablemente era homosexual.

Aunque el uso de material póstumo para realizar psicoanálisis es controvertido entre los historiadores del arte, especialmente porque las costumbres sexuales de la época de Leonardo y de Freud son diferentes, a menudo se intenta. Uno de los eruditos psicoanalíticos más conocidos es Laurie Schneider Adams, quien escribió un libro de texto popular, Arte a través del tiempoy un libro Arte y psicoanálisis.

Un giro inesperado para la historia de la crítica de arte se produjo en 1914 cuando Sigmund Freud publicó una interpretación psicoanalítica del Moisés de Miguel Ángel titulada Der Moses des Michelangelo como uno de los primeros análisis basados ​​en la psicología sobre una obra de arte. [12] Freud publicó por primera vez este trabajo poco después de leer el libro de Vasari. Vidas. Para propósitos desconocidos, Freud publicó originalmente el artículo de forma anónima.

Jung y los arquetipos Editar

Carl Jung también aplicó la teoría psicoanalítica al arte. C.G. Jung fue un psiquiatra suizo, un pensador influyente y fundador de la psicología analítica. El enfoque de Jung a la psicología enfatizó la comprensión de la psique a través de la exploración de los mundos de los sueños, el arte, la mitología, la religión mundial y la filosofía. Gran parte del trabajo de su vida se dedicó a explorar la filosofía oriental y occidental, la alquimia, la astrología, la sociología, así como la literatura y las artes. Sus contribuciones más notables incluyen su concepto del arquetipo psicológico, el inconsciente colectivo y su teoría de la sincronicidad. Jung creía que muchas experiencias percibidas como coincidencias no se debían simplemente al azar, sino que, en cambio, sugerían la manifestación de eventos o circunstancias paralelos que reflejaban esta dinámica gobernante. [13] Argumentó que un inconsciente colectivo y una imaginería arquetípica eran detectables en el arte. Sus ideas fueron particularmente populares entre los expresionistas abstractos estadounidenses en las décadas de 1940 y 1950. [14] Su trabajo inspiró el concepto surrealista de dibujar imágenes de los sueños y el inconsciente.

Jung enfatizó la importancia del equilibrio y la armonía. Advirtió que los humanos modernos dependen demasiado de la ciencia y la lógica y se beneficiarían de la integración de la espiritualidad y la apreciación del reino inconsciente. Su trabajo no solo desencadenó el trabajo analítico de los historiadores del arte, sino que se convirtió en una parte integral de la creación artística. Jackson Pollock, por ejemplo, creó una serie de dibujos para acompañar sus sesiones psicoanalíticas con su psicoanalista junguiano, el Dr. Joseph Henderson. Henderson, quien más tarde publicó los dibujos en un texto dedicado a las sesiones de Pollock, se dio cuenta de lo poderosos que eran los dibujos como herramienta terapéutica. [15]

El legado del psicoanálisis en la historia del arte ha sido profundo y se extiende más allá de Freud y Jung. La destacada historiadora del arte feminista Griselda Pollock, por ejemplo, se basa en el psicoanálisis tanto en su lectura del arte contemporáneo como en su relectura del arte modernista. Con la lectura de Griselda Pollock del psicoanálisis feminista francés y en particular los escritos de Julia Kristeva y Bracha L. Ettinger, como con las lecturas de Rosalind Krauss de Jacques Lacan y Jean-François Lyotard y la relectura curatorial del arte de Catherine de Zegher, Teoría feminista escrita en los campos del feminismo francés y el psicoanálisis ha influido fuertemente en el replanteamiento de artistas tanto hombres como mujeres en la historia del arte.

Marx y la ideología Editar

A mediados del siglo XX, los historiadores del arte abrazaron la historia social utilizando enfoques críticos. El objetivo era mostrar cómo el arte interactúa con las estructuras de poder en la sociedad. Un enfoque crítico que los historiadores del arte [ ¿Quién? ] utilizado fue el marxismo. La historia del arte marxista intentó mostrar cómo el arte estaba vinculado a clases específicas, cómo las imágenes contienen información sobre la economía y cómo las imágenes pueden hacer que el status quo parezca natural (ideología). [ cita necesaria ]

Marcel Duchamp y Dada Movement dieron el salto al estilo Anti-art. Varios artistas no querían crear obras de arte a las que todos se ajustaban en ese momento. Estos dos movimientos ayudaron a otros artistas a crear piezas que no se consideraban arte tradicional. Algunos ejemplos de estilos que se derivaron del movimiento anti-arte serían el neodadaísmo, el surrealismo y el constructivismo. Estos estilos y artistas no querían rendirse a las formas tradicionales de arte. Esta forma de pensar provocó movimientos políticos como la Revolución Rusa y los ideales comunistas. [dieciséis]

La obra de arte del artista Isaak Brodsky 'Shock-worker from Dneprstroi' en 1932 muestra su participación política en el arte. Esta obra de arte puede analizarse para mostrar los problemas internos que estaba experimentando la Rusia soviética en ese momento. Quizás el marxista más conocido fue Clement Greenberg, quien saltó a la fama a fines de la década de 1930 con su ensayo "Avant-Garde and Kitsch". [17] En el ensayo, Greenberg afirmó que la vanguardia surgió para defender los estándares estéticos del declive del gusto involucrado en la sociedad de consumo, y ver el kitsch y el arte como opuestos. Greenberg afirmó además que el arte de vanguardia y modernista era un medio para resistir la nivelación de la cultura producida por la propaganda capitalista. Greenberg se apropió de la palabra alemana 'kitsch' para describir este consumismo, aunque sus connotaciones han cambiado desde entonces a una noción más afirmativa de los materiales sobrantes de la cultura capitalista. Greenberg más tarde [ ¿Cuándo? ] se hizo conocido por examinar las propiedades formales del arte moderno. [ cita necesaria ]

Meyer Schapiro es uno de los historiadores del arte marxista más recordados de mediados del siglo XX. Aunque escribió sobre numerosos períodos de tiempo y temas en el arte, es mejor recordado por sus comentarios sobre la escultura de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento, momento en el que vio evidencia del surgimiento del capitalismo y el declive del feudalismo. [ cita necesaria ]

Arnold Hauser escribió el primer estudio marxista del arte occidental, titulado La historia social del arte. Intentó mostrar cómo la conciencia de clase se reflejaba en los principales períodos del arte. El libro fue controvertido cuando se publicó durante la década de 1950, ya que hace generalizaciones sobre épocas enteras, una estrategia que ahora se llama "marxismo vulgar". [ cita necesaria ]

La historia del arte marxista se perfeccionó en el departamento de historia del arte de la UCLA con académicos como T.J. Clark, está bien. Werckmeister, David Kunzle, Theodor W. Adorno y Max Horkheimer. T.J. Clark fue el primer historiador del arte que escribió desde una perspectiva marxista que abandonó el marxismo vulgar. Escribió historias de arte marxista de varios artistas impresionistas y realistas, incluidos Gustave Courbet y Édouard Manet. Estos libros se centraron de cerca en los climas políticos y económicos en los que se creó el arte. [ cita necesaria ]

Historia del arte feminista Editar

El ensayo de Linda Nochlin "¿Por qué no ha habido grandes artistas femeninas?" ayudó a encender la historia del arte feminista durante la década de 1970 y sigue siendo uno de los ensayos más leídos sobre artistas femeninas. A esto siguió un panel de la Asociación de Arte Universitario de 1972, presidido por Nochlin, titulado "El erotismo y la imagen de la mujer en el arte del siglo XIX". En una década, decenas de trabajos, artículos y ensayos mantuvieron un impulso creciente, impulsado por el movimiento feminista de la segunda ola, del discurso crítico en torno a las interacciones de las mujeres con las artes como artistas y sujetos. En su ensayo pionero, Nochlin aplica un marco crítico feminista para mostrar la exclusión sistemática de las mujeres de la formación artística, argumentando que la exclusión de la práctica del arte, así como la historia canónica del arte, fue la consecuencia de condiciones culturales que restringieron y restringieron a las mujeres de los campos de producción de arte. . [18] Los pocos que tuvieron éxito fueron tratados como anomalías y no proporcionaron un modelo para el éxito posterior. Griselda Pollock es otra destacada historiadora del arte feminista, cuyo uso de la teoría psicoanalítica se describe anteriormente.

Si bien la historia del arte feminista puede centrarse en cualquier período de tiempo y lugar, se ha prestado mucha atención a la era moderna. Parte de esta beca se centra en el movimiento artístico feminista, que se refería específicamente a la experiencia de las mujeres. A menudo, la historia del arte feminista ofrece una "relectura" crítica del canon del arte occidental, como la reinterpretación de Carol Duncan de Les Demoiselles d'Avignon. Dos pioneras del campo son Mary Garrard y Norma Broude. Sus antologías Feminismo e historia del arte: cuestionando las letanías, El discurso en expansión: feminismo e historia del arte, y Reclamando la agencia feminista: la historia del arte feminista después del posmodernismo son esfuerzos sustanciales para incorporar perspectivas feministas al discurso de la historia del arte. La pareja también cofundó la Conferencia de Historia del Arte Feminista. [19]

Barthes y la semiótica editar

A diferencia de la iconografía que busca identificar el significado, la semiótica se preocupa por cómo se crea el significado. Los significados connotados y denotados de Roland Barthes son primordiales para este examen. En cualquier obra de arte en particular, una interpretación depende de la identificación del significado denotado [20] —el reconocimiento de un signo visual y el significado connotado [21] —las asociaciones culturales instantáneas que vienen con el reconocimiento. La principal preocupación del historiador del arte semiótico es encontrar formas de navegar e interpretar los significados connotados. [22]

La historia del arte semiótico busca descubrir el significado o los significados codificados en un objeto estético examinando su conexión con una conciencia colectiva. [23] Los historiadores del arte no se comprometen comúnmente con ninguna marca particular de semiótica, sino que construyen una versión amalgamada que incorporan a su colección de herramientas analíticas. Por ejemplo, Meyer Schapiro tomó prestado el significado diferencial de Saussure en un esfuerzo por leer los signos tal como existen dentro de un sistema. [24] Según Schapiro, para entender el significado de frontalidad en un contexto pictórico específico, debe diferenciarse de, o verse en relación con, posibilidades alternativas como un perfil o una vista de tres cuartos. Schapiro combinó este método con el trabajo de Charles Sanders Peirce, cuyo objeto, signo e interpretante proporcionaron una estructura para su enfoque. Alex Potts demuestra la aplicación de los conceptos de Peirce a la representación visual examinándolos en relación con la Mona Lisa. Al ver el Mona Lisa, por ejemplo, como algo más allá de su materialidad es identificarlo como signo. Entonces se reconoce que se refiere a un objeto fuera de sí mismo, una mujer o Mona Lisa. La imagen no parece denotar un significado religioso y, por lo tanto, se puede asumir que es un retrato. Esta interpretación conduce a una cadena de posibles interpretaciones: ¿quién fue el modelo en relación con Leonardo da Vinci? ¿Qué significado tenía ella para él? O tal vez sea un ícono para toda la humanidad.Esta cadena de interpretación, o “semiosis ilimitada” es interminable. El trabajo del historiador del arte consiste tanto en poner límites a las posibles interpretaciones como en revelar nuevas posibilidades. [25]

La semiótica opera bajo la teoría de que una imagen solo puede entenderse desde la perspectiva del espectador. El artista es suplantado por el espectador como proveedor de significado, incluso en la medida en que una interpretación sigue siendo válida independientemente de si el creador la había querido. [25] Rosalind Krauss adoptó este concepto en su ensayo "En el nombre de Picasso". Denunció el monopolio del artista sobre el significado e insistió en que el significado solo puede derivarse después de que la obra haya sido eliminada de su contexto histórico y social. Mieke Bal argumentó de manera similar que el significado ni siquiera existe hasta que el espectador observa la imagen. Sólo después de reconocer esto, el significado puede abrirse a otras posibilidades como el feminismo o el psicoanálisis. [26]

Estudios de museos y coleccionismo Editar

Los aspectos del tema que han pasado a primer plano en las últimas décadas incluyen el interés por el mecenazgo y el consumo del arte, incluida la economía del mercado del arte, el papel de los coleccionistas, las intenciones y aspiraciones de los encargados de las obras y las reacciones de los artistas contemporáneos. y espectadores y propietarios posteriores. Los estudios de museos, incluida la historia del coleccionismo y la exhibición de museos, son ahora un campo de estudio especializado, al igual que la historia del coleccionismo.

Nuevo materialismo Editar

Los avances científicos han hecho posible una investigación mucho más precisa de los materiales y técnicas utilizadas para la creación de las obras, especialmente las técnicas fotográficas infrarrojas y de rayos X que han permitido volver a ver muchos dibujos subyacentes de pinturas. Ahora es posible un análisis adecuado de los pigmentos utilizados en la pintura, lo que ha alterado muchas atribuciones. La dendrocronología para pinturas sobre paneles y la datación por radiocarbono de objetos antiguos en materiales orgánicos han permitido que los métodos científicos de datación de objetos confirmen o alteren fechas derivadas de análisis estilísticos o evidencia documental. El desarrollo de una buena fotografía en color, ahora disponible en formato digital y disponible en Internet o por otros medios, ha transformado el estudio de muchos tipos de arte, especialmente aquellos que cubren objetos que existen en grandes cantidades y que están ampliamente dispersos entre las colecciones, como los manuscritos iluminados y Miniaturas persas y muchos tipos de obras de arte arqueológicas.

Paralelamente a esos avances tecnológicos, los historiadores del arte han mostrado un interés creciente en nuevos enfoques teóricos sobre la naturaleza de las obras de arte como objetos. La teoría de las cosas, la teoría del actor-red y la ontología orientada a objetos han desempeñado un papel cada vez más importante en la literatura histórica del arte.

Historia del arte nacionalista Editar

La creación de arte, la historia académica del arte y la historia de los museos de arte están estrechamente relacionadas con el auge del nacionalismo. El arte creado en la era moderna, de hecho, a menudo ha sido un intento de generar sentimientos de superioridad nacional o amor por el propio país. El arte ruso es un ejemplo especialmente bueno de esto, ya que la vanguardia rusa y el arte soviético posterior fueron intentos de definir la identidad de ese país.

La mayoría de los historiadores del arte que trabajan en la actualidad identifican su especialidad como el arte de una cultura y un período de tiempo en particular y, a menudo, esas culturas también son naciones. Por ejemplo, alguien podría especializarse en la historia del arte chino contemporáneo o alemán del siglo XIX. Un enfoque en la nacionalidad tiene profundas raíces en la disciplina. De hecho, Vasari Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos es un intento de mostrar la superioridad de la cultura artística florentina, y los escritos de Heinrich Wölfflin (especialmente su monografía sobre Alberto Durero) intentan distinguir los estilos de arte italiano de los alemanes.

Muchos de los museos de arte más grandes y mejor financiados del mundo, como el Louvre, el Victoria and Albert Museum y la National Gallery of Art en Washington, son de propiedad estatal. La mayoría de los países, de hecho, tienen una galería nacional, con la misión explícita de preservar el patrimonio cultural propiedad del gobierno, sin importar qué culturas crearon el arte, y una misión a menudo implícita de reforzar el patrimonio cultural de ese país. La Galería Nacional de Arte exhibe así el arte hecho en los Estados Unidos, pero también posee objetos de todo el mundo.

La disciplina de la historia del arte se divide tradicionalmente en especializaciones o concentraciones basadas en épocas y regiones, con una subdivisión adicional basada en los medios. Por lo tanto, alguien podría especializarse en "arquitectura alemana del siglo XIX" o en "escultura toscana del siglo XVI". Los subcampos se incluyen a menudo bajo una especialización. Por ejemplo, el Antiguo Cercano Oriente, Grecia, Roma y Egipto se consideran típicamente concentraciones especiales de arte antiguo. En algunos casos, estas especializaciones pueden estar estrechamente aliadas (como Grecia y Roma, por ejemplo), mientras que en otros tales alianzas son mucho menos naturales (arte indio versus arte coreano, por ejemplo).

Las perspectivas no occidentales o globales sobre el arte se han vuelto cada vez más predominantes en el canon histórico del arte desde la década de 1980.

La "historia del arte contemporáneo" se refiere a la investigación en el período desde la década de 1960 hasta la actualidad que refleja la ruptura con los supuestos del modernismo traídos por los artistas de la neovanguardia [27] y una continuidad en el arte contemporáneo en términos de práctica basada en conceptos conceptualistas. y prácticas posconceptualistas.

En los Estados Unidos, la organización de historia del arte más importante es la College Art Association. [28] Organiza una conferencia anual y publica el Boletín de arte y Diario de arte. Existen organizaciones similares en otras partes del mundo, así como para especializaciones, como historia de la arquitectura e historia del arte del Renacimiento. En el Reino Unido, por ejemplo, la Asociación de Historiadores del Arte es la organización principal y publica una revista titulada Historia del Arte. [29]


Cronología del Renacimiento inglés: algunas fechas históricas y culturales

Esta lista ofrece una descripción general de algunas fechas históricas y culturales del Renacimiento inglés, con enlaces a recursos de nuestras colecciones. Para obtener más información sobre el mundo del teatro isabelino y jacobeo en Inglaterra, consulte la sección Renaissance Theatre.

  • 1558: Se corona a la reina Isabel I y nace Thomas Kyd.
  • 1563: Se publican los treinta y nueve artículos de Martín Lutero.
  • 1564:Nacen William Shakespeare y Christopher Marlowe.
  • 1569: El norte de Inglaterra se rebela en nombre de María, Reina de Escocia.
  • 1570: La Iglesia Católica excomulga a la Reina Isabel I.
  • 1572:Nacen Thomas Dekker y Ben Jonson.
  • 1574: La masacre del día de San Bartolomé tiene lugar en Inglaterra, en la que Marlowe basó su obra La masacre de París.
  • 1576: Se construye el teatro Cortina.
  • 1577: Raphael Holinshed publica su Crónicas de Holinsheds de Inglaterra, Escocia e Irlanda, el texto fuente principal de la mayor parte de las obras históricas de Shakespeare.
  • 1578: James VI se convierte en rey de Escocia.
  • 1580: Francis Drake completa su circunnavegación del mundo.
  • 1580:Nacen Thomas Middleton y John Webster.
  • 1584: Sir Walter Raleigh establece la primera colonia inglesa en el Nuevo Mundo.
  • 1585-1604: Inglaterra está en guerra con España.
  • 1586: Se descubre el complot de Babington para asesinar a la reina Isabel I y colocar a María, reina de Escocia en el trono.
  • 1587: Mary Queen of Scots es ejecutada en la Torre de Londres.
  • 1587: El empresario teatral Phillip Henslowe construye el teatro The Rose.
  • 1588: La Armada española es destruida por la flota de Inglaterra.
  • 1592: Christopher Marlowe es arrestado en Flushing en los Países Bajos por acuñar.
  • 1592: Thomas Kyd's La tragedia española Esta publicado.
  • 1592: Estallan disturbios anti-alienígenas en Londres.
  • 1593: Los teatros están cerrados debido a la peste.
  • 1593: Christopher Marlowe es asesinado, Shakespeare's Venus y Adonis Esta publicado.
  • 1594: Los teatros vuelven a abrir, Thomas Kyd muere y las primeras actuaciones grabadas de Shakespeare Titus Andronicus y La fierecilla domada tener lugar.
  • 1597-1601: Irlanda se rebela contra Inglaterra.
  • 1597: La actuación de Ben Jonson y Thomas Nashe La isla de los perros resulta en el arresto de Jonson que es puesto en libertad unos meses después.
  • 1599: Arrestan al conde de Essex, se construye el teatro Globe, Shakespeare's Enrique V, Julio César, A su gusto, Aldea, y Mucho ruido y pocas nueces abierto, y Dekker's La fiesta del zapatero se abre.
  • 1599-1602: Ben Jonson lucha contra John Marston y Thomas Dekker con ingenio y palabras en la Guerra de los teatros, o Poetomachia.
  • 1600: La reina Isabel I concede sus estatutos a la Compañía de las Indias Orientales.
  • 1601: Ejecutan al conde de Essex.
  • 1602: De Shakespeare Duodécima noche se abre.
  • 1603: Muere la reina Isabel I y Jacobo VI de Escocia se convierte en el rey Jacobo I de Inglaterra.
  • 1605: La trama de la pólvora se frustra y Guy Fawkes detenido, Ben Jon Volpone abre, y Thomas Middleton y Thomas Dekker La chica rugiente se realiza en el teatro The Fortune.
  • 1606: Las primeras representaciones grabadas de Shakespeare Rey Lear y Middleton's La tragedia del vengador tener lugar.
  • 1608: Nace John Milton.
  • 1610: Ben Jonson El alquimista se abre.
  • 1612-1618: Thomas Dekker está en la prisión de deudores.
  • 1612: De John Webster El diablo blanco se abre.
  • 1613: El teatro Globe se incendia durante una representación de Shakespeare Enrique VIII.
  • 1614: Comienzan los planes para el partido español entre el príncipe Carlos de Inglaterra y la princesa Anna María de España, John Webster's La duquesa de malfi se abre y The Globe se reconstruye.
  • 1616: Muere William Shakespeare, el Rey Jaime I publica sus obras completas y Primer folio de Ben Jonson Esta publicado.
  • 1617: Ben Jonson es nombrado el primer poeta laureado de Inglaterra.
  • 1623:Primer folio de Shakespeare se publica, y las negociaciones para el colapso del Partido Español.
  • 1624-1630: Inglaterra guerrea con España.
  • 1624: Middleton Un juego de ajedrez se abre.
  • 1625: El rey Jaime I muere y es sucedido por el rey Carlos I.
  • 1627-1629: Inglaterra guerrea con Francia.
  • 1627: Thomas Middleton muere.
  • 1632: Thomas Dekker muere.
  • 1634: John Webster muere.
  • 1637: Ben Jonson muere.
  • 1642: Comienza la Guerra Civil Inglesa, y el parlamento puritano prohíbe el teatro y cierra los teatros.

Para obtener más antecedentes históricos, eche un vistazo a Poesía y ficción victorianas de Charlotte Barrett: algunas fechas históricas y culturales.


Cronología de las invenciones del Renacimiento

Hubo muchas cosas geniales e innovadoras que se inventaron durante el Renacimiento. La línea de tiempo de las invenciones del período del Renacimiento se da en este artículo.

Hubo muchas cosas geniales e innovadoras que se inventaron durante el Renacimiento. La línea de tiempo de las invenciones del período del Renacimiento se da en este artículo.

El Renacimiento fue un movimiento cultural que tuvo lugar en Europa durante el período comprendido entre los siglos XIV y XVII. El epicentro de este movimiento fue Florencia, Italia, que se extendió gradualmente a Roma y al resto de Europa. Fue un período dorado que condujo al desarrollo del arte, la literatura y la cultura. A menudo se piensa que es un movimiento que llevó al nacimiento de la era moderna con el pensamiento y la perspectiva modernos. Aunque la época es más conocida por sus desarrollos artísticos como se ve en las obras de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, hubo muchos inventos notables durante este período. Quizás una de las más importantes es la imprenta, que marcó un cambio de paradigma en la educación y la literatura. Para desarrollar más, la línea de tiempo de las invenciones del Renacimiento se da en los párrafos siguientes.

Inventos principales

Durante el Renacimiento, se hicieron muchos inventos y descubrimientos nuevos, que cambiaron la forma en que la gente trabajaba o veía las cosas. Algunas de las cosas cotidianas que usamos hoy son las inventadas durante ese período. Todos fueron verdaderamente revolucionarios y únicos, y el mundo es lo que es hoy gracias a ellos.

Año Invenciones y descubrimientos
1300 El primer reloj mecánico.
1366 Básculas para pesar.
1400 Se inventó la primera pelota de golf
1411 El gatillo de la pistola. Se inventó el primer piano llamado Spinet.
1420 Se inventó la pintura al óleo.
1421 Equipo de elevación inventado en Florencia.
1450 Lentes para miopes inventados por Nicolás de Cusa.
1456 Imprenta de Gutenberg.
1465 Se inventan los grabados a punta seca.
1475 Rifles con bozal inventados en Italia.
1485 Leonardo da Vinci diseñó el primer paracaídas.
1487 Campanas de campana.
1494 Whisky en Escocia.
1500 Se invitó a los primeros inodoros con descarga.
1510 Reloj de bolsillo inventado por Peter Henlein.
1514 Nicolás Copérnico estableció el hecho de que el centro del universo no es la Tierra, sino que la Tierra se encuentra cerca de él.
1520 Ferdinand Magellan se convirtió en el primer europeo en detectar una galaxia en el cielo, y la llamó & # 8220Magellan Penguin & # 8221. También descubrió el Estrecho de Magallanes.
1568 La cerveza embotellada se inventó en Londres.
1589 Máquina de tejer inventada por William Lee.
1590 Microscopio compuesto inventado por Zacharias Janssen.
1593 Galileo Galilei inventó el termómetro de agua.
1608 Hans Lippershey inventó el primer telescopio refractor.
1620 El primer submarino fue inventado por Cornelis Drebbel.
1624 La regla de cálculo fue inventada por William Oughtred.
1625 El método de transfusión de sangre fue inventado por Jean Baptiste Denys.
1636 W. Gascoigne inventa el micrómetro.
1642 Máquina sumadora inventada por Blaise Pascal.
1643 Barómetro inventado por Torricelli.
1650 La primera bomba de aire.
1656 El reloj de péndulo fue inventado por Christian Huygens.
1660 El reloj de cuco se fabricó por primera vez en la Selva Negra, Alemania.
1663 El primer telescopio reflector fue construido por James Gregory.
1670 El champán fue inventado por Dom Perignon.
1671 La primera máquina de calcular inventada por Gottfried Wilhelm Leibniz.
1671 Sir Isaac Newton publica su obra principal, Principia, que contiene las tres leyes del movimiento y la ley de la gravitación universal.
1679 Olla a presión inventada por Denis Papin.
1698 Bomba de vapor inventada por Thomas Savery.

Estos fueron algunos de los descubrimientos e innovaciones durante el Renacimiento. La lista anterior le ayudará a tener una mejor idea del orden cronológico en el que se hicieron. Todos estos inventos tuvieron un gran impacto en la evolución de las artes y la ciencia y, por lo tanto, son muy importantes para la humanidad.


¿Qué es el Renacimiento italiano?

El Renacimiento italiano se produjo entre los siglos XIV y XVII en Italia. Derivado de la palabra Rinascimento, o & # 8220rebirth, & # 8221, el Renacimiento se ve generalmente como una época ilustrada del arte y la arquitectura debido a un renovado interés cultural por la antigüedad clásica.

& # 8220The Early Renaissance & # 8221 denota el período entre 1400 y 1490, cuando artistas como Fra Angelico y Botticelli comenzaron a experimentar con el realismo.

Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus (década de 1480) (Foto: Uffizi a través de Wikimedia Commons)

Entre 1490 y 1527, reconocidos artistas italianos como Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael produjeron obras de arte particularmente célebres. Este período de tiempo a menudo se conoce como el & # 8220High Renaissance. & # 8221


Renacimiento y Reforma

La peste negra, que fue una de las pandemias más devastadoras de la historia, acabó con la vida de entre el 30 y el 60% de la población europea.

Principio del Renacimiento

Un movimiento intelectual y artístico, el Renacimiento fue una época de crecimiento y expansión para las artes, así como las ciencias.

Juana de Arco y el asedio de Orleans

El punto de inflexión en la guerra de los 100 años entre Inglaterra y Francia fue también la primera victoria militar de Juana de Arco.

Johann Gutenberg inventa la imprenta

La invención de la imprenta revolucionó los estudios de las artes y las ciencias, así como la fabricación de libros.

Inicio de la Inquisición española

Diseñada para deshacerse de todos los no católicos (es decir, judíos y musulmanes), fue una de las inquisiciones más mortíferas de todos los tiempos.

Botticelli pinta el nacimiento de Venus

Una de las obras de arte más famosas durante el Renacimiento, fue pintada como resultado de la Academia Platónica, la pintura fue controvertida debido a su naturaleza sexual que empujaba los límites en ese entonces.

Colón descubre las Américas

El descubrimiento de Colón conduciría a la creación de las Américas 100 años después, lo que conduciría al mundo occidental tal como lo conocemos.

Guerras italianas

Una serie de conflictos que surgieron debido a disputas dinásticas sobre el Ducado de Milán y el Reino de Nápoles.

Miguel Ángel pinta la Capilla Sixtina

Obligado por el Papa, Miguel Ángel pintó 9 escenas del Antiguo Testamento en las paredes y techos de la capilla.

Maquiavelo escribe al príncipe

Considerada como una de las primeras obras de la filosofía moderna, fue publicada después de la muerte de Maquiavelo por temor a la controversia.

Martín Lutero 95 tesis

Al publicar sus problemas con la iglesia en la puerta de la iglesia, fue excomulgado de la iglesia católica y creó la forma de cristianismo que hoy conocemos como protestante.

Dieta de gusanos

La dieta más famosa (discusión imperial) de los gusanos fue la que asistió Martín Lutero en 1521, donde fue considerado hereje y expulsado del Sacro Imperio.

67 tesis

En la disputa de Zúrich, Ulrich Zwingli presentó sus 67 tesis, que incluían muchos temas y -porque tuvo éxito- provocó una reforma generalizada.

Inicio de la guerra europea de religiones

Las guerras, libradas entre católicos y protestantes, fueron causadas por la Reforma protestante en Europa occidental y septentrional.

La revuelta campesina

Enfurecidos por el sistema fuedal y el aumento de los precios, los campesinos alemanes decidieron rebelarse, pacíficamente al principio, pero pronto se volvió mortal: más de 40 monasterios y castillos alemanes fueron quemados.

Reclamación de los Phlilppines

Fernando de Magallanes reclama Filipinas para España, que se conoce como la primera conversión posterior al catolicismo y la primera en el este de Asia.

La Confesión de Augsburgo

Creado como resultado de la reunión del Parlamento y la resolución de los problemas políticos, sociales y religiosos creados por la Reforma, el documento sigue siendo el estándar doctrinal luterano.

La Liga Schmalkaldic

Formada en el invierno de 1530 como alianza defensiva contra el imperio.

Enrique VIII de Inglaterra excomulgado

Debido a que anuló su primer matrimonio y se volvió a casar sin el permiso de la iglesia, Enrique VIII de Inglaterra fue excomulgado.

Acto de supremacía

Enrique VIII es declarado jefe supremo de la Iglesia de Inglaterra.

Establecimiento de la Iglesia de Inglaterra

Enrique VIII estableció la nueva entidad independiente Iglesia de Inglaterra.

Ejecución de Thomas More

Thomas More fue ejecutado por el rey Enrique VIII cuando se negó a aceptar su pretensión de ser el jefe supremo de la Iglesia de Inglaterra.

Cuarenta mártires de Inglaterra y Gales

Un grupo de hombres y mujeres que fueron ejecutados por traición y delitos relacionados en el Reino de Inglaterra.

Fundación de los menonitas

Creado por Menno Simmons, este grupo ha influido en los hutteritas, cuáqueros, bautistas y amish.

Establecimiento de la Inquisición romana

La Inquisición romana era un sistema de tribunales (algo así como un sistema judicial) responsable de enjuiciar a las personas acusadas de una amplia gama de delitos relacionados con la doctrina religiosa / creencias religiosas alternativas.

Fundación de la orden de los jesuitas

La orden de los jesuitas, fundada por Ignacio de Loyola, difundió la palabra de dios a los miembros de la Compañía de Jesús, que eran conocidos como jesuitas y eran considerados los soldados de dios.

Artículos de religión

El arzobispo Crammer publica cuarenta y dos artículos de religión.

Fundación de la Pontificia Universidad Gregoriana

La Universidad Gregoriana fue la primera universidad fundada por los jesuitas. La Gregoriana tiene uno de los departamentos de teología más grandes del mundo.

La paz de Augsburgo

Un edicto de tolerancia para el luteranismo, el resultado se conoció como & quotcuius regio, euis religio & quot, lo que significa que cada príncipe podía elegir la religión de su zona.

Establecimiento de la Iglesia Anglicana

El establecimiento de la iglesia anglicana se completa con los Treinta y nueve artículos

El Catecismo de Heidelberg

Una de las declaraciones de fe calvinistas más importantes, es un documento confesional protestante utilizado en las enseñanzas de la doctrina cristiana reformada.

Organización de la Santa Liga

El Papa Pío V organiza la Liga Santa, dirigida por Don Juan de Austria, para defender Europa de las grandes fuerzas islámicas otomanas.

Publicación de la Biblia de los Obispos

Esta Biblia, una revisión de la Gran Biblia cotejada con el texto hebreo, se considera la primera Biblia publicada en Inglaterra por la autoridad episcopal.

Masacre de San Bartolomé

Multitudes de católicos franceses mataron a protestantes durante las guerras religiosas francesas, se cree que la masacre comenzó debido a que la hermana del rey Carlos IX, Margarita, se casó con el rey protestante Enrique IV.

Expulsión de jesuitas

Los jesuitas son expulsados ​​de Kyushu por Toyotomi Hideyoshi.

Misión Nombre De Dios

Esta misión en San Agustín, Florida, se considera la primera misión católica en América del Norte.

Formación de la Iglesia Católica Ucraniana

La iglesia se forma después de que los súbditos ucranianos del rey de Polonia se reunieran con Roma; también es la iglesia católica bizantina más grande.

Concesión de la Carta

Elizabeth I otorga la concesión a East India Company, que brinda más oportunidades de comercio.

La Guerra de los Treinta Años

Alemania fue invadida por los ejércitos imperiales de Austria y luego por los suecos que vinieron a ayudar a los protestantes en este período. La sociedad se derrumbó y dos tercios de la población murieron a causa del hambre, la guerra y la peste.

La paz de Westfalia

Esta serie de tratados fue el comienzo de la separación de la iglesia y el estado, y los calvinistas se agregaron a la lista de regiones toleradas, lo que trajo estabilidad.


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